Soul-Addict.com, le site de l'Urban-Soul Culture vous lâche le top 5 ci-dessous.

1- BRUNO MARS : I JUST MIGHT



2- KEHLANI : FOLDED



3- JUSTIN BIEBER : YUKON



4- TEMS : WHAT YOU NEED



5- CHRIS BROWN : OBVIOUS

​Une production éthérée pour un amour céleste

Dès les premières notes, "Apollo" installe une atmosphère en apesanteur. Ce voyage sonore est orchestré par le producteur Harry Charles, qui signe ici une partition éthérée et minimaliste. La production, à la fois ample et intimiste, laisse tout l'espace nécessaire à l'interprétation de l'artiste. C'est un écrin moderne où les textures aériennes se mêlent à la chaleur des accords, évoquant l'immensité de l'espace... ou celle d'un coup de foudre.

​La voix de baryton comme fil conducteur

Au cœur de cette production plane la voix de Bryant Barnes. Doté d'un baryton velouté et texturé, le jeune artiste se distingue immédiatement dans le paysage musical actuel. Sa voix, à la fois grave, rassurante et habitée d'une subtile vulnérabilité, insuffle une sincérité désarmante aux paroles. Bryant Barnes ne chante pas seulement l'amour, il le vit en direct. ​Cette ligne de chant, simple mais universelle, résume à elle seule l'esprit du morceau : une capitulation totale et heureuse face à l'intensité des sentiments.

Après s'être fait remarquer par son univers mélancolique et ses talents de multi-instrumentiste, Bryant Barnes prouve avec "Apollo" qu'il maîtrise également l'art de la ballade lumineuse. Ce morceau marque une étape clé dans sa jeune carrière, confirmant son statut de voix à suivre de très près pour tous les amoureux de RnB authentique et enveloppant. Un premier pas solo de l'année particulièrement réussi, qui laisse présager le meilleur pour la suite de ses projets.

Un album plus lumineux

Le projet repose sur une énergie plus chaleureuse que tous ses précédents récits. Les autres projets étaient souvent marqués par les relations tourmentées, la frustration amoureuse et les tensions sentimentales/amoureuses. Le titre donne déjà une indication plus claire. Après l'univers plus froid et plus chargé émotionnellement de "Fleur froide", Tayc semble se déplacer vers quelque chose de plus solaire. Ce virage n'a rien de surprenant. Tayc a construit son identité autour de l'Afrolov' : un mélange entre RnB, influences afro, sensualité et mélodies. Peu d'artistes français occupent ce terrain avec une patte aussi identifiable que la sienne. À la première écoute, "Joÿa" est un projet cohérent, pas juste une simple accumulation de morceaux. Tayc reste dans son territoire qu'il maîtrise parfaitement, mais avec une palette de couleurs qui semble un peu plus aérée et moins enfermée dans une seule émotion.

Premières réactions positives

Les premiers retours vont globalement dans le même sens. Beaucoup de fans trouvent le projet solide, fidèle à son ADN, avec une vraie direction artistique. Là où certains s'attendaient à une rupture plus frontale, "Joÿa" est plutôt venu chercher à affiner la formule de Tayc, plus qu'à la déconstruire. "Girlfriend" faisait partie des morceaux les plus écoutés, en raison du sample de "You Rock My World" de Michael Jackson et du fait qu'il est sorti en single avant l'album. Un titre très attendu également : "Va Loin", en featuring avec Aya Nakamura. La collaboration est née il y a environ 5 ans et finalement le son a été remis au goût du jour pour intégrer le projet. Ce n'est peut-être pas l'album de la révolution pour Tayc. Mais à chaud, "Joÿa" donne surtout le sentiment que l'artiste connaît parfaitement son terrain et continue de le faire évoluer sans perdre de vue, ce qui a construit son lien avec le public. Projet disponible depuis le 15 mai 2026.

​Un projet porté par des singles puissants

​L'album brille par sa cohérence et sa capacité à surprendre. Parmi les morceaux incontournables qui rythment l'opus, on retient particulièrement "Pageant Stage" et "Back Around" : deux titres phares qui illustrent parfaitement la maturité vocale et la polyvalence musicale de Tone Stith. Il y a aussi ​"Fly", premier single magistral de l'album, qui a d'ores et déjà marqué les esprits en se hissant au sommet du classement Adult RnB Airplay de Billboard. Avec "The Edge", Tone Stith livre un premier album maîtrisé, capable de faire danser les corps tout en touchant la sensibilité de ses auditeurs. Une sortie majeure qui confirme son statut de valeur sûre de la scène RnB actuelle.

Ce projet commun s'inscrit dans la continuité logique d'une collaboration fructueuse entamée il y a plusieurs années. Le public garde notamment en mémoire leurs précédents succès majeurs comme les titres incontournables "Boucan" et "Génération impolie". Forts de cette alchimie naturelle et spontanée, les deux artistes passent à la vitesse supérieure en unissant leurs forces sur un format long.

Une synergie musicale totale

Ce nouvel opus reflétera parfaitement l'image de leur duo flamboyant. Le projet réunit pleinement leurs énergies respectives afin de créer une véritable synergie musicale totale. L'album promet de naviguer avec justesse entre des mélodies d'une grande efficacité et des refrains fédérateurs, deux des plus grands points forts artistiques qui caractérisent la carrière des deux hommes.

L'attente autour de la tracklist et des invités

Alors que la date fatidique du vendredi 19 juin 2026 approche à grands pas, tous les regards des passionnés et des observateurs sont désormais tournés vers la divulgation de la tracklist officielle. Si l'ossature de l'album repose sur le binôme complémentaire formé par Keblack et Franglish, la présence potentielle d'invités mystères suscite déjà d'immenses spéculations. Le mystère reste entier quant à savoir si d'autres figures de la scène musicale viendront prêter main-forte aux deux artistes sur ce disque.

???? FRANGLISH x KEBLACK

Un PROJET COMMUN vient d’être ANNONCÉ !!

« ENERGY »

????️ 19 JUIN pic.twitter.com/tXgzpz9ToC

— Kultur (@Kulturlesite_) May 15, 2026

5 nouveaux titres pour rythmer l'été

Alors que la version standard de l'album — sortie le 15 juillet 2025 — comptait 14 pistes, cette édition étendue propose cinq titres supplémentaires, portant le projet à un total de 19 morceaux. ​Parmi les nouveautés, le morceau d'ouverture "Jezebel" s'impose immédiatement comme l'un des points forts de cette réédition. Avec ses vibrations rétro, le titre évoque instantanément les classiques "Outstanding" de The Gap Band et "We Are The One" de Frankie Beverly. Un morceau chaleureux et irrésistible, parfaitement taillé pour la saison estivale et les pistes de danse two-step.

​Des collaborations prestigieuses

​Pour ce second acte, Givēon ne fait pas cavalier seul et s'entoure d'invités de marque. La tracklist enrichie dévoile des duos particulièrement attendus : Kehlani sur le titre "Save Some For Me", Leon Thomas sur "Fool Me Once", Sasha Keable sur "Replica" et ​Teddy Swims sur "Keeper".

​La connexion avec Teddy Swims n'est d'ailleurs pas une surprise pour les fans. Givēon avait déjà posé sa voix texturée aux côtés du chanteur sur le morceau "Are You Even Real", extrait de l'album "I've Tried Everything But Therapy (Part 2)" de ce dernier. ​Avec "Beloved : Act II", Givēon prouve une nouvelle fois sa capacité à faire évoluer son RnB mélancolique et élégant vers des sonorités plus ensoleillées, idéales pour accompagner les longs mois d'été. L'album est dès à présent disponible sur toutes les plateformes de streaming.

​La transmission d'un héritage musical et spirituel

Produit par les talentueux Troy Oliver et Troy Taylor, "Just Like You" se distingue par sa dimension émotionnelle. Eric Bellinger y chante la perpétuation des valeurs reçues, exprimant sa gratitude envers celle qui a guidé ses premiers pas et forgé sa résilience. ​Les paroles traduisent avec justesse ce lien indéfectible : ​« Tout ce que je suis, je te le dois / Maman, tu m'as donné la foi, alors j'ai cru avant même de le voir de mes propres yeux / Et maintenant je suis qui je suis parce que je voulais être comme toi ».

​Le cœur d'un projet très personnel

​Pour Eric Bellinger, "Just Like You" dépasse le cadre d'une simple chanson. Il s'agit d'une véritable profession de foi et de la clé de voûte de son style de vie actuel. L'artiste s'est d'ailleurs confié avec émotion sur l'importance de ce morceau : ​"C'est le titre le plus important de l'album. C'est la chanson qui définit toute mon existence. La chanson qui m'a façonnée, inspirée par celle qui m'a mise au monde : ma magnifique maman, aimante et croyante. Je suis ce que je suis parce que j'ai toujours voulu lui ressembler".

​Un avant-goût de son prochain album

​"Just Like You" s'inscrit comme le deuxième single officiel extrait de son très attendu prochain album éponyme, dont la sortie est programmée pour cette année. En plaçant la figure maternelle au centre de son art, Eric Bellinger promet un opus d'une grande maturité stylistique et personnelle, qui résonnera sans doute profondément auprès de ses fans.

Une intention toujours indéfinie

Cette triple sortie interroge aussi sur l'intention elle-même. Drake a souvent joué avec les formats, en brouillant les frontières entre les albums, les mixtapes ou les projets collaboratifs. Cette fois, il pousse encore plus loin la logique de "saturer l'auditeur", avec une présence qui occupe immédiatement tout l'espace musical et médiatique. Musicalement, Drake a toujours cultivé cette capacité à naviguer entre rap pur, RnB mélancolique et surtout des morceaux calibrés pour dominer les playlists. Trois albums sortis le même jour ouvrent forcément la porte à plusieurs lectures de son objectif : Une séparation claire et complète entre ses différentes facettes artistiques ? Un geste d'abondance assumé ? Ou tout simplement une nouvelle tentative de démonstration de force ?

Le projet du froid

"Iceman" réunit les featurings les plus logiques si l'objectif était de montrer un Drake plus dur et plus rap. Future et 21 Savage collent parfaitement à cette direction, avec cette froideur presque mécanique qu'ils maîtrisent bien. De son côté, Molly Santana apporte une présence plus récente, plus générationnelle. Le casting reste resserré, cohérent et surtout, sans dispersion inutile.

La galette "Habibti"

"Habibti" prend une autre couleur avec un casting plus mélodique et un peu plus contrasté. PARTYNEXTDOOR y est presque une extension naturelle de Drake sur le terrain RnB nocturne. Sexyy Red vient casser cette ambiance plus lisse avec une énergie un poil plus "frontale". Enfin, Loe Shimmy ajoute une touche plus actuelle, proche de la nouvelle scène de stars américaines.

Dispersion

"Maid of Honour" est le plus chargé en invités, et ça se ressent immédiatement. Central Cee y permet une nouvelle ouverture vers la scène britannique. À son tour, Popcaan prolonge le lien que Drake entretient depuis des années avec les sonorités dancehall et caribéennes. Pour terminer, Sexyy Red, Stunna Sandy et Iconic Savvy tirent le projet vers quelque chose de plus mouvant, plus imprévisible et malheureusement parfois, beaucoup plus désordonné.

​Une fusion nostalgique et moderne

​L'identité de "Retrospect" repose sur un équilibre audacieux. L'album puise largement dans le funk des années 70 et 80. On y retrouve des lignes de basse organiques et des textures chaleureuses qui rappellent l'âge d'or du groove. Fidèle à ses racines, Mýa habille ces sonorités d'antan avec une production actuelle, assurant une résonance immédiate auprès du public de 2026.

​Les premiers singles, "ASAP" et le très remarqué "Just a Little Bit" en collaboration avec Too $hort, avaient déjà donné le ton : un hommage vibrant, dansant et résolument mature.

​Un casting cinq étoiles

Pour ce grand retour, Mýa a réuni un casting prestigieux qui témoigne de son influence et de son respect mutuel avec les piliers de l'industrie. Sur les 16 titres que compose l'album, on retrouve des collaborations éclectiques mêlant l'énergie West Coast de Too $hort et de l'iconique Snoop Dogg, à la force lyrique de Joyner Lucas. L'opus s'enrichit également d'une touche résolument moderne avec la présence du rappeur 21 Savage, tandis que le légendaire D-Nice apporte son sens inné du rythme. Cette diversité d'invités permet à "Retrospect" de naviguer avec aisance entre différents styles, consolidant ainsi la stature de Mýa comme une artiste capable de fédérer les légendes du hip-hop et les stars contemporaines.

Pourquoi cet album est un événement ?

​Le titre "Retrospect" n'est pas choisi au hasard. Il reflète la position actuelle de Mýa dans l'industrie : une artiste qui regarde son parcours avec fierté tout en continuant d'innover. Après l'accueil chaleureux de "T.K.O.", l'attente était immense. ​Mýa prouve ici qu'elle reste une force tranquille du RnB, capable de réunir plusieurs générations d'auditeurs autour d'un projet riche, authentique et surtout, incroyablement groovy. ​"Retrospect" est désormais disponible sur toutes les plateformes de streaming.

Retour sur le show

Avant le lever de rideau, la chorale de l’artiste entre sur scène en interprétant "Les Amants Terribles", introduisant ainsi la tête d’affiche, Tuerie. Il apparaît ensuite sur scène et dévoile progressivement une scénographie composée de choristes, d’une section cuivre, d’un bassiste, d’un pianiste, d’un guitariste et d’une batteuse. Un véritable orchestre prend place en haut de l’escalier, tandis qu’en fond de scène se dresse un rideau coloré. Le décor est impressionnant et diffuse des couleurs douces et captivantes. Très vite, il enchaîne les titres de son dernier opus : de "Sorcière" à "Flop", en passant par "Kobe", l’artiste transpose son aura électrisante et sa voix unique dans toute la salle. Grâce à un jeu de lumières parfaitement maîtrisé, Tuerie plonge entièrement le public dans son univers.

Avec son désormais célèbre : « C’est son Olympia, il ramène qui il veut », Tuerie invite sur scène des artistes tels que HoussBad, Danyl ou encore Oxmo Puccino sur des titres comme "Ligne 9" ou "Magique". Avec un public réceptif, un véritable orchestre et une tête d’affiche versatile, tous les ingrédients étaient réunis pour offrir un show d’exception. Lors de cette soirée, Tuerie a largement honoré son public ainsi que son travail en proposant un spectacle d’une grande qualité. Tuerie est un artiste incontournable à suivre de près et s’impose désormais comme indispensable dans nos playlists.

Par : Sarah Nemorin

Un parcours sans faute

Le grand public le découvre surtout avec Tony! Toni! Toné!, groupe qu'il cofonde à la fin des années 80 avec son frère D'Wayne Wiggins et leur cousin Timothy Christian Riley. Le trio marque son époque avec "Feels Good", "Anniversary" ou encore "It Never Rains (In Southern California)". À ce moment-là, le RnB américain bascule vers des productions plus lisses/mainstream, mais Tony! Toni! Toné! garde une chaleur nourrie de funk et de soul classique. Plus tard, il poursuivra avec Lucy Pearl, un supergroupe formé avec Dawn Robinson et Ali Shaheed Muhammad. Un projet bref, mais devenu culte pour beaucoup d'amateurs de soul/RnB du début des années 2000.

L'homme derrière les groupes

Là où Raphael Saadiq prend une autre place, c'est surtout en studio. On retrouve son nom auprès de D'Angelo, notamment autour de "Untitled (How Does It Feel)", morceau devenu un classique. Plus tard, il joue un rôle important dans la construction de "A Seat at the Table" de Solange, avant d'apparaître dans les crédits de "Renaissance" de Beyoncé, notamment sur le titre "Cuff It". En solo, Raphael Saadiq a aussi construit une œuvre cohérente. "Instant Vintage", "Ray Ray", puis "The Way I See It" montrent un artiste profondément attaché à la soul américaine, sans tomber dans une simple reproduction nostalgique. Il ne copie pas une époque révolue, il parle son langage. Et c'est sans doute ce qui explique sa longévité. Raphael Saadiq n'a jamais été l'artiste le plus exposé de sa génération, mais peu de musiciens peuvent revendiquer une empreinte aussi marquante et durable sur le RnB moderne.

Album cultissime

Sorti en 1982, "Thriller" reste un cas à part dans l'histoire de la musique populaire. Plus qu'un immense succès commercial, c'est un album qui a redéfini les standards de la pop, du RnB et du clip musical en général. "Billie Jean", "Beat It", "Thriller", "Human Nature", "Wanna Be Startin' Somethin'"... La tracklist ressemble à une collection de classiques. Ce retour raconte aussi quelque chose de plus large sur l'héritage de Michael Jackson. Peu d'albums anciens reviennent dans les charts à ce niveau sans réédition événementielle ou opération anniversaire massive. Ici, "Thriller" continue de circuler naturellement, porté par plusieurs générations d'auditeurs. Plus de quatre décennies après sa sortie, Michael Jackson reste capable de reprendre le sommet. Peu d'artistes peuvent en dire autant, surtout à titre posthume.

​Un message de courage universel

Au-delà de l'expérience personnelle de l'artiste, "Les voiles" se veut porteur d'un message à portée universelle. Le titre aborde la difficulté, mais aussi la nécessité, d'écouter cette petite voix intérieure souvent étouffée par le quotidien ou les conventions. ​Le morceau devient ainsi une métaphore du changement de trajectoire : le courage de quitter un port sécurisant pour suivre une intuition qui nous définit réellement. ​En dévoilant ce premier pan de son univers, Wahil propose une invitation à la résilience et à l'authenticité, marquant le début d'un voyage musical qui semble déjà trouver son propre cap.

​Une ascension fulgurante

Depuis ses débuts, Katseye a su briser les frontières en mélangeant les codes de la pop et du RnB. En France, le groupe a bénéficié d'un accueil particulièrement chaleureux, porté par le succès viral et radiophonique de "Gabriela". Cette date parisienne dans l'une des plus grandes salles d'Europe témoigne de leur nouveau statut de superstars internationales. ​Le spectacle promet de mettre en avant la diversité culturelle du groupe et leurs chorégraphies millimétrées qui ont fait leur renommée sur les réseaux sociaux.

​Compte tenu de l'engouement actuel autour du groupe, les places risquent de s'arracher en quelques minutes. Assurez-vous de créer vos comptes sur les plateformes de billetterie officielles en amont de l'ouverture le 21 mai à 15h00 pour maximiser vos chances d'obtenir le précieux sésame.

PRÉPAREZ-VOUS EYEKONS !! ???? KATSEYE arrive à l’Accor Arena de Paris le 9 septembre 2026 avec le THE WILDWORLD TOUR !!

???? Ouverture de la billetterie le 21.05 à 15h : https://t.co/fGArhW5iBZ pic.twitter.com/5pezAtKayS

— Accor Arena (@Accor_Arena) May 13, 2026

Un nouveau pas

Son arrivée au cinéma n'a finalement rien de totalement surprenant. Raye a toujours cultivé une forte présence visuelle, un sens du récit et une manière d'interpréter ses morceaux qui dépasse souvent le simple cadre dit "classique" de la chanson. Sur scène comme dans ses clips, la Britannique a construit un univers où l'image occupe une place centrale. Entre esthétique soignée, narration sombre et performances très incarnées, son identité artistique semblait déjà dialoguer avec le langage du cinéma. Le passage au grand écran reste malgré tout un vrai tournant dans la carrière des chanteurs. Elle obtient un rôle dans un thriller dramatique et non une apparition légère ou un cameo musical. Le choix est intéressant. Le projet "Lineage" s'inscrit dans un registre plus tendu et psychologique, un terrain exigeant pour une première expérience dramatique. Ce type de rôle peut représenter un test important, d'autant plus pour une artiste dont la carrière musicale repose déjà sur un art très "émotionnel". Cette transition rappelle en tout cas la tendance régulière d'artistes musicaux qui cherchent à élargir leur expression, au-delà de la scène. Mais dans le cas de Raye, l'intérêt réside justement dans ce choix de premier rôle dramatique, plus ambitieux qu'un simple passage symbolique devant la caméra.

Raye is set to star in Yann Demange’s crime drama thriller ‘LINEAGE.’

Isabelle Huppert, Dali Benssalah, and Adam Bessa will also star.

(https://t.co/v6W4kgy3Dj) pic.twitter.com/K7bePHO5ZI

— Pop Base (@PopBase) May 11, 2026